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Saturday, 16 May 2015

Una nueva amiga


Anoche vi la película “Una nueva amiga” de François Ozon.
Me gustó mucho. Es sobre la amistad, el amor y el deseo.
No hay reglas, no hay límites y los que convencionalmente se nos imponen van cayendo si se tiene la audacia de caminar hacia la felicidad guiado por el sentimiento de estar bien, de ser uno mismo, una misma.
(“ser” en la pequeña gran medida que nos permite nuestra efímera levedad)

(y además viendo la película te ríes)


Friday, 27 June 2014

Solo los amantes sobreviven

Es una película sobre vampiros. Seres nocturnos, asociales, sensibles, enamorados de la ciencia, del arte y de la belleza.

Beben sangre. Seres pálidos y taciturnos recluidos en sus góticas mentes. Seres que aman.

Viviendo siglos atrapados en la edad de su transformación. Desesperados buscando su droga.

Incapaces de soportar la estupidez destructiva de los seres efímeros que ebrios de nadas corren locos a la muerte, a las muertes.

Es una película de noctámbulos paseando por calles desiertas para recluirse durante el día entre sombras de luces no encendidas.

Una sociedad secreta de románticos melancólicos.

Sólo los amantes sobreviven.





Wednesday, 11 December 2013

La Grande Bellezza


La película me ha gustado. Tiene algo, mucho, de “La Dolce Vita” y de Fellini en general. Tiene la belleza de Roma soleada mientras se escuchan coros de voces femeninas (“I lie” de David Lang). Tiene una melancólica y fluida reflexión sobre el paso del tiempo, la decadencia, la alegría fingida, la nada.

Desvela el “bla-bla-blá” que nos envuelve para esconder (hacernos olvidar) la levedad, el vacío, la crueldad de la fragilidad de la vida. Que también se oculta, se cubre, con la belleza, con la gran belleza de la ciudad, del mar, del cielo, de los cuerpos y de las miradas nostálgicas.

A mí me ha emocionado a pesar de las irrupciones de la música disco y de los gritos y de los grotescos cuerpos que se bambolean luchando contra la decrepitud. O, en realidad, me ha gustado también por eso, por esas escenas en contraste con la mirada serena y el paseo reflexivo.

Vamos a morir pero antes “debemos” vivir (pero,… ¿qué es vivir? ¿cómo se vive?).
¿Quién soy yo?”, se pregunta el protagonista (como Bretón en “Nadja”).
El protagonista siente haber estado atrapado en el torbellino de lo mundano, haber querido ser el rey de los mundano. Haberlo sido.
Le gustaría, como dice que quiso Flaubert, escribir una novela sobre la nada.
Y es a los sesenta y cinco años cuando se ve con la lucidez para decirse que “no va a hacer nada que no quiera hacer”.

Es el viaje melancólico, encubierto bajo riqueza, ostentación y hedonismo, de un “Ulises” derrotado que, gracias a su lucidez para asumir el fracaso y la nada, parece victorioso.
















Friday, 8 November 2013

Todos queremos lo mejor para ella

Muy buena película. Destaca la actuación de la protagonista (actriz Nora Navas). Sobre la desorientación, la inadaptación y la incomprensión (sobretodo de los demás hacia ella pero también de ella al mundo). Es anecdótico que el desencadenante sea un gravísimo accidente de tráfico. Su desesperada huída conmueve. Huída hacia... ¿hacia? Es un suicidio vital, o sea un suicidio social en el que no se busca la muerte sino la vida. Es un suicidio por querer más vida. O quizás sea sólo una rabiosa y desesperada fuga animal, enferma, enajenada. Hay que escapar de la jaula de ternura, de la condescendencia, del afecto sedante,... no hay que dejarse mecer, hay que retorcerse ante la somnolencia, no dejarse arrullar, no dejarse adormecer,... no dejarse enterrar en vida.
Pero resulta grotescamente desequilibrada y fuera de lugar porque ha perdido el anclaje social y no tiene problemas (o no es capaz de verlos) en romper las amarras y dejarse ir rumbo hacia,...
¿Se cansarán los demás y la dejarán marchar hacia la marginación y la muerte solitaria?
¿La encerrarán también físicamente entre muros de medicación con amplios jardines de césped perfectamente regado y cortado?

Sunday, 3 November 2013

La vie d'Àdele


Adèle tiene diecisiete años, va al instituto, le gusta la literatura. Es guapa y sensual. Le gusta comer (pero no le gusta el pescado). Gusta a los chicos, gusta a uno de los más guapos del instituto. Sale con él, hacen el amor. No siente. Se cruza por la calle con una chica con el pelo azul. Sueña que hacen el amor. Siente. Tiene amigas, hablan de chicos, de sexo, de chicos, de sexo, de chicos,… Ella no escucha. La mirada ausente.










Besa a una chica. Siente. Una noche va a un bar de ambiente con un amigo gay. Alguien, un desconocido, le dice: ama a quien quieras, a quien te guste, qué importa el género. Sale del bar siguiendo a un grupo de chicas que entran en un local de lesbianas. Pide una cerveza en la barra y se le acerca la chica del pelo azul. Empiezan una relación de auténtico amor (y, por tanto, sexo). Se encuentra, se realiza. Pero… no sólo “pero” el rechazo social, no sólo “pero” los gritos de los idiotas. Eso no es nada. Eso no duele, es sólo una lluvia superficial, aunque arrecie como granizo no duele, no puede doler. Porque ella está en el amor y eso la hace fuerte para dejar atrás las miradas avinagradas de odio que lloran pus. Ella está amando y siendo amada.











Hacen el amor salvajemente, apasionadamente, se acarician ferozmente, se lamen, se muerden, se devoran,… el mundo se reduce a ellas, lo demás es un fondo difuso.

Pasa el tiempo. Àdele ya es profesora. Son una pareja. Vive el ambiente de ella (que cuando se conocieron estudiaba bellas artes y ahora ya es una artista rodeada de artistas, críticos y galeristas). De hecho Àdele ha sido desde el principio su musa, desde el boceto inicial que hizo de su rostro en el parque hasta los sensuales desnudos de cuerpo entero llenos de admiración, pasión y deseo.

Pero ocurre que el amor homosexual (como el amor heterosexual) (la verdad es que no entiendo estas etiquetas, creo que directamente debemos hablar del “amor sexual”) aunque generalmente lo vemos como más alegre, desinhibido, libre,… en realidad es tan duro, cruel y doloroso como el amor “hetero”. La rutina devora a las parejas. Nos creemos que ese cuerpo que duerme a nuestro lado estará siempre y llegamos incluso a engañarnos pensando que no nos importará si desaparece. Y nos alejamos. Imperceptiblemente. Como dos hojas (cuerpos) que flotan sobre aguas tranquilas y que lentamente se van separando. Y ese adiós ralentizado puede ser definitivo porque surjan otras vidas (personas) y todo se acabe en un fundido a negro. Y hay que vivir y hacer como que se ama, como si se pudiese amar dos veces.
Quedan los recuerdos y una que busca más que la otra. Y puede que cuando decides volver ya no exista tal lugar.

En un banco de un parque es donde empezaron los primeros besos, el primer boceto de su rostro. Y Àdele vuelve y se sienta en soledad.








La película me ha gustado especialmente por lo bien que se describe la evolución psicológica del personaje de Àdele (interpretado por Àdele Exarchopoulos, la chica del pelo azul es interpretada por Lea Seydoux). La manera en la que se muestra su aprendizaje vital hasta que termina con una plano de ella caminando por la calle, de espaldas, yéndose sola con sus pensamientos, con su tristeza.


(Dirigida por ABDELLATIF KECHICHE)















(Es una adaptación de la novela gráfica “LE BLEU EST UNE COULEUR CHAUDE” de JULIE MAROH)









Friday, 18 October 2013

La herida


No pasa nada. Una mujer, una joven, una chica. Vive con su madre. Trabaja en una ambulancia. Tiene novio, discute con él. Chatea con un desconocido. Es amable y sonríe. Le preocupan los demás. Siente el dolor ajeno. Hace chistes, ríe. Bebe, canta y baila. No pasa nada, la película se acaba.
¿No pasa nada? Lo que pasa ocurre dentro de ella, en su mente. Lo entiendo perfectamente. Hay que haberse apretado la cabeza muy muy fuerte con las dos manos, hay que haber dado puñetazos a las puertas y a las paredes. Hay que haberse raspado los nudillos contra muros de piedra. Hay que haber abrazado otro cuerpo con la desesperación de un náufrago cogido a un tablón en el medio del frío y oscuro océano. Hay que haberse sentido zarandeado por las emociones, incomprendido por todos. Sólo en medio de la multitud. Hay que haber visto como unos labios se te acercaban y no haber sentido el beso. Hay que haber conocido la nada. Hay que haber sentido la necesidad de saltar. Hay que haber destrozado todo e inmediatamente haber añorado no haberlo hecho. Hay que haber dilapidado las oportunidades. Hay que haber asumido la soledad y la muerte. “Hay que” todo esto para entender esta película.
Hay que ser una bomba y ser consciente de ello y tener miedo de estallar en cualquier momento… y querer, desear, necesitar estallar.

Saturday, 14 September 2013

Melancholia de Lars Von Trier


El Fin del Mundo (con mayúsculas),
los fines del mundo (diarios, instantáneos)
el paso del tiempo
la incomprensión
la falta de comunicación
la amargura
la lucidez ante la realidad
la asunción de la finitud, de la muerte, del carácter efímero.
Cuando se deja de poder representar el propio papel en la mascarada que es la vida.
Todos nuestros “fines del mundo parciales” se suman, el tiempo los suma. De modo que resulta que el Fin del Mundo es individual pero para cuando nos llega ya tenemos poco (“mundo”)que terminar.
Y todos esos fines del mundo parciales, definitivos individuamente, se unen para construir ese enorme planeta llamado Melancolía que acaba engullendo a la tierra en nuestro Fin del Mundo (que también es “parcial”, como especie).
(Como se ve en la película, mientras no observamos, mientras no medimos, vivimos felizmente ajenos a la realidad.)

En esta película me llama la atención la cuidada composición de las imágenes, de los encuadres. Y también la fascinante fotografía. Junto a esto la que quizás sea la principal característica del cine de Von Trier: su disección de los sentimientos humanos y de la dificultad (imposibilidad) de las relaciones (humanas).

Me gusta especialmente cuando de un conjunto de personajes (personas), por ejemplo en una fiesta o en una reunión, Von Trier elige a una y la miramos desde diferentes ángulos con la cámara al hombro y enfoca a sus ojos con primeros planos. De esta manera la extrae del conjunto y nos la muestra sola, incomprendida e incapaz de comprender, como estamos todos (perplejos ante el espejo que no nos refleja, que no refleja nada).


Tuesday, 19 March 2013

Everything We Want

Es una película documental en la que tres mujeres jóvenes explican sus decisiones vitales (distintas) e incluso dialogan con sus madres mostrando la diferencia generacional.

No es sobre, no es de, mujeres. Es sobre todos los que vivimos en esta Europa del bienestar y que llegamos a la treintena con muchas oportunidades, con muchas opciones vitales.

Es sobre la libertad de elegir cuando se tienen tantas opciones. Sobre el miedo a fallar, sobre la pena por lo que se deja. El paso del tiempo. La elección y la renuncia.

Un magnífico testimonio de personas que quieren vivir, que quieren ser ellas mismas, que quieren vivir su vida. Solas o acompañadas, con o sin hijos, con un trabajo estable o dando tumbos sin seguridad económica por preferir el arte a la vida práctica.

Una película sobre todas las personas que pensamos, personas a las que no nos valen las respuestas estándar, ni las comodidades de la vida fácil, que nos complicamos la vida porque nos asfixiamos si no lo hacemos.
(sobre ti alejándote de mí)

(sobre mí saltando al vacío)



Wednesday, 13 March 2013

Moon

Es una película de ciencia ficción ambientada en un futuro en el que la explotación minera de la luna con fines energéticos hace que haya "cosechadores" viviendo allí en soledad durante meses, años,... El protagonista (un cosechador) hace, debido a que se produce un error en el sistema, un descubrimiento que le enfrenta a sí mismo, a su individualidad, a su ser. 

Por muy mal que nos vayan las cosas, nos aferramos a nuestro yo como realidad ("pienso luego existo") desde la que interpretamos el mundo, la vida, a los demás,... Y vivimos construyendo ilusiones, retos, amor,...

Pero ¿qué ocurre cuando descubrimos que nos somos únicos? ¿Y si nuestra vida no es nuestra vida? ¿Y si esa mujer no es "nuestra" mujer? ¿Y si no hay un hogar al que volver? ¿Y si los demás no nos distinguen?

Como ocurre siempre en la buena ciencia ficción, el argumento es completamente realista, más que contemporáneo es clásico, eterno. No habla del futuro, ni del presente, sino de siempre, del ser humano, de la existencia.

Porque en la vida ocurre que de repente no somos únicos, que "nuestra" mujer ya no nos quiere, que no tenemos un hogar al que volver, que las seguridades se volatilizan.

Y uno preferiría estar muerto pero hay que tener mucho valor para suicidarse y entonces nos dejamos vivir por la inercia de los días, el alcohol, las drogas, el deporte, el trabajo, el sexo esporádico,... evitando en lo posible los lugares elevados, los objetos punzantes, las pastillas mortíferas, el pedal del acelerador,...


Tuesday, 5 February 2013

La Femme Dà Côté

Lo primero: no son "Los cuatrocientos golpes" ni "Jules et Jim".


Es una turbulenta historia de pasión entre dos personas. La trama se puede resumir así:

Un hombre vive con su mujer y su hijo en una casa en Grenoble (Francia). Son un matrimonio joven, alegre y empalagosamente feliz. Son guapos y tienen una sana vida sexual. Da envidia su sencillez, su sencillo amor, su cariño, su naturalidad sexual.


La casa de la lado está en alquiler, está vacante. Alguien la alquila, se trata de un hombre y su esposa. También son un matrimonio feliz, equilibrado, que se respeta, que se admira. Él es mayor que ella. Ella tiene una belleza muy intensa, turbadura.

Desde el primer intercambio de miradas entre el hombre del primer matrimonio y la mujer de los recién llegados ya vemos que "pasa algo". Enseguida sabemos que fueron pareja (hace ocho años) y la película nos va mostrando la naturaleza de esa relación: la pasión.

Y, a la vez que sus cónyuges (como el resto de los espectadores) se van desenfocando, difuminándose en el fondo para ser sólo un vago telón de fondo sobre el que los protagonistas se viven y devoran, nosotros (todos) descubrimos que la relación no fue sino es (y será).

La película es sobre la sociedad ordenada y culta, capaz de "comprender" todo pero sólo en apariencia. Porque (aunque sea duro admitirlo) hay conceptos, reacciones, situaciones,... para cuyo conocimiento y comprensión no basta con ser inteligente, ni tolerante, ni racional,...
Y, en particular, la pasión no puede ser atrapada en un sistema de convenciones sociales. Así que no se trata de que perdonemos al pájaro que se quiso fugar de su jaula y le permitamos seguir viviendo querido, alimentado y confinado. Se trata de asumir (como en la canción del cantautor vasco Mikel Laboa) que el pájaro es pájaro porque vuela libre.
Y, al final, el tributo por vivir apasionadamente, el tributo por vivir, es la locura (estar al margen, fuera). Pero también quizás la enfermedad mental, la enajenación, el crimen, el suicidio, la muerte. (Ni contigo ni sin ti.)



Monday, 31 December 2012

Ocaña, morir disfrazado de sol

He visto la película "Ocaña, retrato intermitente" (1978) dirigida por Ventura Pons. 
Trata sobre el pintor andaluz José Pérez Ocaña. Bueno, no era sólo un pintor. Dicen los textos que acompañan a la película que fue "un personaje que marcó la vida de la Rambla y la plaza Real en la Barcelona de los años setenta".
Después de ver la película yo creo que era "sensibilidad extrema". A veces se desnudaba en público (en la película aparece paseando por Barcelona vestido de mujer con un vestido que de vez en cuando se levanta para enseñar su pene o su culo) pero realmente siempre iba desnudo, sin piel, abierto, ofrecido. 
Un artista en el sentido total, de vida artística, marginal,... sí puede que marginal pero más plena que la convencional, más completa.
Se travestía pero, según el mismo explica en la película, no era un travesti sino un teatrero porque define el travestismo como un gusto, un placer fetichista con la ropa femenina que él no siente.
Toda la película es fascinante. Desde el relato de su vida hasta cada uno de sus momentos, performances, por las calles de Barcelona.
Es muy serio lo que cuenta, es muy pura y lúcida su mirada del mundo, de la sociedad.
Pero no tiene problemas con el pueblo que en sus paseos por la calle (aunque se desnude) le rodean y se ve que le quieren (gente de todas las edades).
Sus enemigos, mejor dicho para quienes él era un enemigo, son los hipócritas, los reprimidos sexuales, la Iglesia. 
Paradójicamente, le fascina el colorido, la musicalidad, el aire de fiesta de las expresiones religiosas de su Andalucía y todo ello está presente en su obra y en su vida.
Su obra es como él, colorista, sensible, alegre y triste (la muerte está presente).
Después de ver la película he consultado en la wikipedia sobre su vida y he descubierto que murió disfrazado de sol:
De original vida, Pérez Ocaña también encontró la muerte de la manera más sorprendente. Volvió a Cantillana (su pueblo natal), para celebrar unas fiestas de carnaval y reunirse con su familia, a la que adoraba. Pérez Ocaña confeccionó un disfraz de sol, con papel, tela y bengalas, que desafortunadamente se quemó, produciéndole quemaduras mortales. El 18 de septiembre de 1983 Pérez Ocaña moriría en el hospital, una semana después de haberse quemado accidentalmente. 



Monday, 5 November 2012

Bestias del sur salvaje

"Beast of the Southern Wild" (Bestias del sur salvaje) es una extraña película galardonada en Sundance.


Es sobre la naturaleza, la libertad, la vida, con la excusa de la visión de una niña (Hushpuppy)de la catástrofe del huracán Katrina. 

La idea es "no nos salvéis", escogemos el dolor, el sufrimiento, el frío, el calor, el hambre,... el amor, el placer, el hedonismo, la imaginación, la LIBERTAD,... elegimos SER, elegimos luego somos.

Sunday, 28 October 2012

Shun Li y el poeta











Sobre una mujer china que trabaja para pagar su deuda con la mafia que la llevó a Italia y que tiene como objetivo final poder traerse a su hijo de ocho años.

Sobre un pescador jubilado que es yugoslavo pero lleva treinta años viviendo en Italia donde es uno más entre su grupo de jubilados que frecuentan el bar en el que la mafia china envía a trabajar a la mujer.(Varias veces en la película se plantea si él es extranjero o no después de treinta años.)

Todo con una excelente fotografía llena de la melancolía de Venecia (en realidad el bar no está en la turística ciudad de Venecia sino en Chioggia, una ciudad próxima y también recorrida por canales de agua pero que aún es más líricamente decrépita.



Y tiene que ser en Chioggia porque Chioggia es como todos los personajes de la película (y de hecho como todos nosotros): frágil, cambiante, a merced del mar, efímera... parece siempre apunto de desaparecer, apunto de acabar de pudrirse devorada por la humedad y el frío.

Desde el punto de vista de la luz, de la fotografía, me ha gustado especialmente la escena cuando él le enseña su cabaña para pescar en el mar o en la laguna (*). Me gusta ese cielo, ese mar y sobretodo esa luz del sol.

(*)No quedan claros los límites entre el mar (hombre, en una batalla sin fin, dice ella) y la laguna (mujer, calmada, dice ella). Pero esta diferenciación entre el mar y la laguna es esencial en la película porque es la diferencia entre el combate seguramente inútil, desesperado y que solo puede llevar a la derrota, y la resignación calmada, el aceptar la esclavitud, la tristeza. Y por eso ese momento en la película en el que un personaje, aparentemente secundario, explica que el agua del mar, o sea el agua viva, entra y sale constantemente de la laguna pero hay una pequeña parte de agua del mar que queda atrapada, estancada en la laguna...


A él le llaman "el poeta" porque hace rimas para sus amigos del bar. Pero durante la película vemos claramente que realmente es un poeta. Y ella también y algún otro personaje. De hecho esta es una película poética en la que se muestra el enfrentamiento entre los poetas y quienes no lo son. 
Además la película nos muestra la tradición china de dejar velas encendidas sobre el agua en memoria de su poeta Qu Yuan (al que le piden deseos).

Es una película poética por la sensibilidad de la historia, por la impresionante fotografía, por los encuadres, por le acompañamiento musical,...

Todos los actores están muy bien pero sin duda yo destaco la interpretación de Zhao Tao.

Recomiendo esta película

Wednesday, 29 February 2012

La mirada de Ulises

Hace años vi "La mirada de Ulises" de Theo Angelopoulos por casualidad, en realidad "por causalidad", siguiendo una cadena de recomendaciones unas explícitas, otras veladas entre líneas, algunas levemente intuidas y otras libremente deducidas. Si se me hubiera preguntado después de verla y a lo largo de los años después de haberla visto, mi respuesta hubiera sido: me gustó, me gusto mucho. De hecho me obsesionó durante años volver a verla, tenerla. Por fin me la he comprado en DVD. Si se me hubiera preguntado por el argumento... no hubiera podido contestar. Pero me gustó mucho.
Ahora, cuando acabo de volver a disfrutarla he descubierto la enorme influencia que ha tenido durante años está película en mi vida. Veo en sus fotogramas el germen de mi estética sacando fotografías e incluso escribiendo. Recuerdo los encuadres que sitúan a las personas en su verdadera dimensión mínima ante la naturaleza, ante los acontecimientos, ante la existencia. Vuelvo a sentir el frío de la no luz. Vuelvo a estremecerme ante la fragilidad de las oscuras siluetas de los seres humanos, siempre a punto de ser rotas o de romperse.
Y especialmente corroboro que el tema, la mirada, es quizás el que más me ha interesado siempre. El artista, el escritor, como "el que mira". O sea, el que mira pero con capacidad de ver y ve. Incluso comprende y muestra a otros en la medida en que es capaz.
Y todas las miradas, todas nuestras miradas, las de las mujeres y los hombres, son la mirada de Ulises, son la primera mirada ante todo, la mirada de viaje, viajando. Viviendo.
Yo no recomiendo esta película porque no se puede recomendar algo tan intenso. Podéis verla y, si queréis, compartir vuestra impresión. Quizás os durmáis intentando verla, quizás no entendáis nada o entendáis tanto que os resulte pueril y aburrido.
No son necesarias gafas 3D, no ayudan.
Pero es necesario ser un escritor, aunque no se escriba.


La escena de la anciana (a la que el protagonista ha llevado a Albania compartiendo taxi) cuando se queda sola en la plaza vacía, fría, inhumana. La soledad ante la decrepitud y la muerte.


La escena de la "alegre" fiesta familiar en 1945 recién ha terminado la Segunda Guerra Mundial. Entran unos hombres (los comunistas) y se llevan el piano (la música). Y entonces se sacan la última foto familiar, su última foto.


La escena en el puerto (separación) con los restos de la estatua de Lenin como fondo.


La barcaza que avanza por el río con los restos de la estatua (ideología) de Lenin. La estatua desmontada pero empaquetada de manera que parece ir echada con la cabeza erguida, vigilando aún. Como observando severa su propia marcha fúnebre, su lento (y vencido) camino (deslizamiento) hacia su entierro. Y desde las orillas las gentes, los pueblos de Europa, la ven pasar rota, fragmentada, pero aún uno de esos trozos es un brazo y señala.


"Al principio Dios creó el viaje, después la duda y la nostalgia."


La(s) guerra(s), los ejércitos, todos, lo opuesto a la vida.


Todo el tiempo Eros y Tanato. La desesperación, la angustia, el horror, la guerra, tanto narrada como intuída, desencadenan las escenas de pasión.


S A R A J E V O


El encuadre de los dos hombres sobre el puente en Sarajevo, bajo la lluvia, jadeantes porque tienen que correr para evitar ser abatidos por francotiradores invisibles. Hablan de los intentos para hallar la fórmula química para revelar las tres bobinas que busca el protagonista (las tres primeras miradas del cine griego, y entre ellas la primera).


"Una mirada que lucha por salir de la oscuridad."
"¿Qué soy yo sino un coleccionista de miradas desvanecidas."


Los habitantes de Sarajevo (los ciudadanos) espectrales figuras titubeantes en medio del constante bombardeo. Bajo la amenaza, entre la destrucción. Como un ejército inerme de zombis.


En esta ciudad la niebla es la mejor amiga de los ciudadanos porque sólo cuando ella lo cubre todo Sarajevo recupera la normalidad (porque se retiran los francotiradores).


"La niebla es una fiesta, celebrémosla."


La joven orquesta, serbios, croatas y musulmanes. Todos salen a tocar cuando cesan los disparos. La niebla trae a la ciudad la música y también el teatro y los ciudadanos bailan.


La vida es una tregua.


"- ¿Es malo no amar la ciudad donde has nacido?
 Esta ciudad me ahoga. Lluvia y barro en invierno. Polvo en verano.
 - Volveré y te sacaré de aquí."


"Dime que te importo, dime que volverás."


You look worried.
It has been a long way.


La escena en la que sólo vemos niebla y escuchamos los diálogos y los disparos de los asesinos, los asesinatos.
Es lo que tanto nosotros como el protagonista vemos y escuchamos.


El aullido de dolor ante el cadáver de la chica, de la mujer.


Al final proyectando las bobinas no se ve nada.


"Cuando regrese lo haré con las ropas de otro, con el nombre de otro. Nadie me esperará. Si me dijeras que no soy yo te daría pruebas y me creerías."


"Te contaré mi viaje durante toda la noche y durante todas las noches, abrazados entre susurros de amor."


Toda la aventura humana. La historia sin fin.







Saturday, 4 February 2012

Paisaje en la niebla

Entre la niebla, la escena de la violación de la niña en la parte trasera del trailer a manos del camionero que les ha recogido haciendo autostop.
El viaje (odisea) de una niña y su hermano pequeño buscando a su inexistente padre.
Esta es (también) una película sobre la indiferencia.
La soledad, la incomunicación, (el sentido de) la vida
Intentar entender el mundo, intentar entender lo que ocurre,... intentar darle un sentido.
El crecimiento personal, la madurez, lo efímero del tiempo desde los ojos de los niños rodeados de vidas detenidas, suspendidas, sin sentido.
La desaparición de la infancia devorada por los adultos (tan salvajes).
El peligro son los otros.
Y todo en un paisaje de niebla, barro y paisajes destrozados por la acción del hombre (vehículos, carreteras, maquinaría enorme a escala no humana (anti-humana).
No sólo la inocencia de los niños sino también la de los actores, los artistas, los poetas, los comprometidos de izquierdas,... todas las inocencias son aplastadas.
La única esperanza es el entusiasta soñador en su viejo autobús o sobre su potente motocicleta (él pone rock&roll y se moja los pantalones en el mar).
El mundo es húmedo, frío, nublado y cruel pero con imaginación podemos ver el árbol oculto tras la niebla hasta hacerlo nítido y luminoso.

Topio stin omichi (1988)
Dir: Theo Angelopoulos


Saturday, 14 May 2011

Jules et Jim

Jules es alemán, quizás austriaco. Jim es francés. Cuando empieza la película viven en el alegre París de fiestas y bohemia anterior a la Gran Guerra.
Jim tiene mucho éxito con las mujeres, sabe tratarlas porque no les da importancia. Jules en cambio es enamoradizo y se entrega tercamente a la ilusión romántica de la pareja.
La película es un lienzo en el acertadas pinceladas nos esbozan la fuerza de su amistad. Elijo una escena: cuando Jules esboza en la mesa de un café el rostro de una mujer que amó (en la medida en que este personaje sea capaz de conjugar en pasado ese verbo)y Jim quiere comprar la mesa. Nunca ninguno de ellos había conocido a otra persona que le escuchase.
Conocen a una mujer única por su desenfado vital que cautiva a Jules. Comienzan a ser pareja aunque sean tres. Elijo una escena: cuando cruzan el puente metálico los tres corriendo con ella disfrazada de hombre.

Catherine y Jules se van al país de éste y se casan, tendrán una hija. Antes de tomar esta decisión Catherine trata de tener una cita con Jim, en un café, ¿para consultarle? Es deliciosa la manera en que los dos amigos se piden y se dan permiso para autorizar estas citas que son conversaciones pero también para autorizar las relaciones sexuales (como se ve más adelante en la película).
Llega la Gran Guerra y las vidas de los dos amigos avanzan paralelas, en bandos opuestos, preocupados por no matarse mutuamente.
Después de la guerra retoman su amistad a través de un visita de Jim a la familia Jules. Desde el primer momento es apreciable el efecto de la guerra en Jim. Ya no sonríe desenfadadamente, ha madurado. Jules en cambio parece vivir aún con su desenfado e inocencia (en un momento de la película Catherine dice que lo que le atrajo de Jules fue su inocencia y fragilidad que lo hacen distinto de todos los demás hombres). La pareja con la niña parece muy feliz y Jim añora tener eso mismo. Pero pronto Jules confiesa a su amigo la falsedad de su relación con Catherine, las huidas de ella, los amantes que tiene, cómo le desprecia y el espectador pasa a verla como un precioso pájaro enjaulado. Jules mira para otro lado, trata de entender, trata de hacer todo lo posible por no perderla, por tener al lado aunque durmiendo en habitaciones separadas, aunque sin sexo, aunque ella le sea infiel descaradamente.
Catherine seduce a Jim que tiene la carta blanca, cuando no el ruego de su amigo, para esa relación y pasan a ser un trío con niña feliz al ritmo caprichoso de los deseos de Catherine.
Pero Jim tiene otra opción vital en París, una mujer que le ama de la manera que Jules ama a Catherine, una mujer que siempre le espera en la cama y que parece más adecuada para el nuevo Jim surgido de la guerra.
El patetismo de Jules crece cuando desde su vértice del triángulo trata de mantener la extraña figura frente a los devaneos de los otros dos vértices.
De repente Jim salta del barco a la deriva sobre aguas turbulentas que es el trío y huye de Catherine hacia la estabilidad de su relación parisina.
Pero Jules y Catherine vuelven a Francia y se reencuentran. El trío se ha difuminado porque Jim ya no está, ha dado un paso más en su evolución personal y no es parte sino que observa desde fuera.
Pero la locura egomaníaca de Catherine basada en ella como deseo sexual no puede sino acelerarse hasta la autodestrucción cuando el paso del tiempo se hace evidente y el cuerpo empieza su declive.
De la misma manera que en una maravillosa escena de noche parisina previa a la guerra ella se arroja al Sena dejando clara su libertad total, la escena final es su último grito de poder total sobre los dos hombres causándoles a ambos el máximo daño que se les puede infligir.